Para ilustrar este post estoy buscando una fotografía artística en mis archivos, juro que cuando la encuentre la subo…
En la ciudad en que vivo, aunque creo que vivo poco en ella pues mis ausencias físicas y psíquicas no me dejan mucho tiempo para "ciudadanear", una vez al año se produce un acontecimiento concreto: durante unos días los museos y galerías de arte se convierten en espontáneos amantes de la fotografía, reacción mimética ocasionada ante movimientos parecidos en ciudades de rango superior del país. Y te encuentras de sopetón con la ciudad invadida de manifestaciones "filo/fotográficas" de desigual rigor.
Suelo ser poco gregario, y por ese motivo rehuyo con discreción estos acontecimientos sociales que son las inauguraciones. Me pone muy de los nervios el papanatismo.
De la misma manera que, cuando llega el verano. las cadenas serias de radio -le ocurre hasta a la SER!- nos tratan a sus oyentes habituales como a bobos de babero metiéndonos contenidos superficiales y playeros (alguien debió llegar a la conclusión de que en verano nos volvemos simples), de esa misma manera muchas galerías de arte que toda la vida traficaron con pintores y pinturas cuando pasan a tocar el tema de la fotografía alcanzan un nivel de desorientación evidente. Tan es así que se está instaurando un concepto único de calidad y “finezza” en el lenguaje fotográfico, caracterizado siempre por su intención provocadora, lo cual en sí es bueno, su factura fácil y su profundo discurso (“propuesta”, lo llaman) “seudo-conceptual”. Y lo peor es que, a partir de ahí, todo vale y cualquier manifestación fotográfica que no se adapte a esos presupuestos es considerada “demodé” o meramente “descriptiva”, palabra maldita.
mo ﷽﷽﷽﷽﷽﷽﷽ coóenísicas y psisupuestosde las galerbuuñuelos
Hace dos años presencié, en un noticiario televisivo que abría con información de la recién inaugurada ARCO, la Feria de Arte Contemporáneo por antonomasia de nuestro antonomástico país, cómo una imagen conocida por mi era el eje gráfico de esta información. Se trataba de una inmensa fotografía que representaba a un niño asiático, plano americano, desnudo de cintura para arriba, de cuyo cuello colgaba una plaquita de metal en la que se leía. "NOT FOR SALE". La imagen era de técnica simple, pulcra, podría decir que correcta de acuerdo a un criterio clásico. Deduje que la clave estaba en la placa. Yo había visto meses atrás esta exposición en una galería de arte "de provincias", consistente en un total de no más de 10 imágenes iguales de niños diferentes. Recuerdo que en la exposición "local" el precio de cada una de las copias, de tiraje limitado, superaba los 10.000€. La clave estaba en la placa... ¿pero, qué tenía aquella placa para justificar que aquellas imágenes anodinas se colgaran en las paredes inmaculadas de los templos más sagrados del arte contemporáneo? Deduzco que se trataba de un intento de defensa de los menores de edad… una protesta contra los ataques pederastas de turistas sexuales, contra el abuso de condiciones laborales salvajes, en resumen, contra la más cruel variante de la esclavitud. Y suena bien, y hasta aquí todo ok. Pero no, aquello no era una ONG, era ARCO, un mercado en el que se trafica con arte.
Los niños “no se vendían”… pero sus fotos sí. Ignoro el nombre del autor de la serie "NOT FOR SALE", pero me agradaría saber qué porcentaje de estos más 10.000€ se transfería a esos niños asiáticos después de cada transacción comercial realizada en alguna de las galerías de nuestro primer mundo. O de qué cuantía fue la "propina" que les dejó después de las 4 horas que, como máximo, debió llevar la realización de tan profunda y comprometida obra.
Nos estamos volviendo gilipollas. Nos están tratando como a gilipollas. Y esta vez no me refiero a los políticos. Aunque creo que todo viene en un “pack”.
Y vuelvo al comienzo. El programa de inauguraciones de las muestras fotográficas expuestas en las galerías de mi ciudad, en esa semana de celebración fotográfica, era extenso, y me las recorrí todas para poder llegar de una vez a una conclusión sobre el fenómeno. El resumen final, para mi, fue este:
1) En espacios institucionales, algo sintomático, dos magníficas exposiciones, fotografía de verdad, fotografía de siempre rigurosamente actualizada, desde el pasado y hacia el futuro: Steve McCurry y Pep Bonet. El primero un “senior”, exquisito maestro del color y del viaje, mundialmente reconocido, el segundo un “junior”, un brujo del blanco y negro y del sufrimiento, en reconocido crecimiento internacional. En ambos, "savoir faire" de profesional sensible e inteligente y de brillante narrador de historias.
2) Después había algunas exposiciones que pretendían el mismo objetivo que estos dos citados, en un caso con firma de renombre nacional, pero quedándose en el nivel de lo "mediano", por calificarlo de manera amigable.
3) Y por último... el Arte Con Mayúsculas, el Arte al que me refería más arriba (línea NOT FOR SALE) "manageado" por los mercaderes de la creación plástica local, y ahí había de todo, desde algunos intentos serios a autenticas bromas y proyectos, perdón, propuestas… tan vacuas y sosas cómo buñuelos de viento sin azúcar.
Los cientos de rostros del publico asistente iban confirmando mi opinión, algo de lo que me fui cerciorando con interés: expectación y disfrute absoluto ante McCurry y Bonet, y miradas y comentarios contradictorios y de compromiso, frialdad, desorientación, en la mayor parte de los demás casos.
Estoy convencido de que existe una falta de criterio en gran parte de los galeristas convencionales ante un lenguaje muy nuevo con el que mercadear, la fotografía, y se confunden dentro del gran rio revuelto de advenedizos que con tres mimbres intentan hacer un cesto, a ver si cuela, y cuela. Algo al alcance de pocos está eso de hacer un cesto con tres mimbres, con la triste consecuencia de que los pocos que sí son capaces de ello se hallan decididamente perjudicados en ese “totum revolutum” repleto de mediocres expertos en burlar el olfato no educado de quienes deben reconocer su valía.
Creo sinceramente que la fotografía, como manifestación creativa, se bifurca en dos claras lineas: la plástica, de lenguaje críptico, provocativo, conceptual, que bebe de la pintura y que intenta asemejarse a ella y aprovechar su tirón especulativo a través de las galerías, y la fotografía narrativa, la literatura transformada en imagen, cuya manifestación publica habitualmente la encontramos en las paredes de entidades institucionales, siempre con finalidad no crematística, pero que se mueve como pez en el agua en el campo de las publicaciones, de las revistas especializadas y sobre todo de los libros. Ninguna de estas dos tendencias es superior a la otra, pero ambas exigen rigor, coherencia, calidad y respeto mutuo.
Convendría que muchos de nuestros galeristas, especialmente los “de provincias”, asistieran a talleres y cursillos que les permitieran alcanzar a comprenderlo. Eso se ser “de provincias” en este país siempre ha sido un coñazo! No se nos quita ni con legía.
© texto/¿foto?: Pedro Coll
